Poesía Cortesana

Los cancioneros surgen en los siglos XV y XVI. Son colecciones reunidas bajo la protección de monarcas y aristócratas en las que se recogen imitaciones de la poesía tradicional y composiciones cultas. Están inspirados en la poesía trovadoresca y en Dante o Petrarca. El tema más frecuente es el amor cortés: los trovadores consideran a la mujer como un ser superior al que el enamorado rinde culto y vasallaje, como a un señor feudal. El poeta es un siervo de la dama (esta es bella, honesta, etc.). Otros temas son la reflexión moral, la sátira o la muerte. El modelo predilecto será el petrarquista, su idea del amor como algo inevitable y su concepción del cancionero individual como una autobiografía.

Cancioneros colectivos destacados

• Cancionero de Baena (1445): recopilado por Alfonso de Baena para el rey Juan II de Castilla. Presenta una gran variedad de tendencias poéticas. Recopila composiciones de Macías o Namorado, Villasandino y Francisco Imperial.
• Cancionero de Estúñiga: compilado en la corte aragonesa de Alfonso V. Presenta poca influencia italiana. Las composiciones que lo forman son de autores catalanes y aragoneses con influencia de la lírica provenzal.
• Cancionero general de Hernando del Castillo (1511, recogido por este): recoge la obra de poetas de la época de Enrique IV y los Reyes Católicos, como por ejemplo, Santillana, Mena, Florencia y Manrique.
• Cancionero general de García Resende: contiene poemas de autores castellanos y portugueses.

Otros cancioneros conservados son el Cancionero de Palacio y el Cancionero de Herbera y des Essarts.

Características de los cancioneros: suelen ir acompañados de anotaciones musicales y miniaturas. Algunos fueron manuscritos y otros impresos. Predominan los recursos de carácter trovadoresco (anáfora, repetición, paralelismo y símil), aunque en algunos casos se aprecia la influencia italiana. Predomina el tema amoroso y la forma de expresión habitual es la canción trovadoresca.

Leonor Centellas, Marquesa de Cotrone

Junto con Florencia del Pinar, Leonor Centellas es la otra poeta incluida en el Cancionero General de Hernando del Castillo. Hay constancia de que participó en las fiestas de coronación de los Reyes Católicos en 1475 en Valladolid. Durante estas fiestas, la Marquesa de Cotrone describió en sus versos la pasión y el amor por su esposo y el dolor por su muerte.

Íñigo López de Mendoza, Marqués de Santillana

Es uno de los grandes y más relevantes autores del siglo XV. Combinó su labor literaria con la política, siendo un acérrimo opositor a Álvaro de Luna, reflejado en Doctrinal de privados.

Introdujo el endecasílabo y el soneto; compuso 42 Sonetos hechos al itálico modo, aunque no tuvieron éxito durante el siglo XV. En el siglo XVI, Garcilaso asienta definitivamente los temas y las formas italianas en la península.

La influencia italiana es también evidente en otras dos obras de influencia dantesca: La Comedieta de Ponza y El infierno de los enamorados. Compuso también una obra de carácter lírico: Triunfo de Amor.

Sin embargo, Íñigo es más conocido por sus serranillas, composiciones líricas de carácter popular en las que se narra el encuentro entre una pastora y un caballero; de ese encuentro puede surgir el amor o no.

Juan de Mena

De los autores relevantes del siglo XV, es el único que no es noble. Fue secretario de Juan II, lo que le permitió viajar a Italia y contactar con el Humanismo y la cultura italiana. Es el primer traductor de la Odisea al castellano, a la que nombra Omero romançado.

No obstante, su obra más importante, además de las composiciones líricas cancioneriles incluidas en los cancioneros, es El Laberinto de Fortuna, compuesta en copla de arte mayor, versos dodecasílabos de rima consonante, en un estilo excesivamente artificioso y complejo. Se trata de una obra alegórica con trasfondo político (dedicada a Juan II) en la que se aprecia la influencia de La Divina Comedia de Dante.

Florencia Pinar (1470-1530)

Probablemente una de las primeras poetisas de la literatura castellana junto con Leonor Centellas, marquesa de Cotrone. No se conocen datos biográficos y de los pocos que se tienen se deduce que tuvo una esmerada educación y que fue poseedora de una gran cultura y formación intelectual. Nació y creció en un ambiente propicio, ya que tanto su padre como su hermano sentían admiración por la poesía. Probablemente formó parte de la corte de los Reyes Católicos. Se conservan varias canciones incluidas en el Cancionero General de Hernando del Castillo. El tema principal de su escasa producción lírica es el amor, considerado como un sentimiento universal, pero en cierto modo, alejado de los convencionalismos cancioneriles en cuanto a la reflexión y el uso de determinados recursos como el símbolo. Pinar define el amor como un continuo desasosiego en la persona amada, recurriendo a la exclamación de dolor (“¡Ay! Que hay quien más no vive”), la imagen o el símbolo (aves, prisión, cadenas) y lo describe como algo vivo que consume el interior (“El amor es un gusano”). Con estas analogías e imágenes animalísticas, Pinar aumenta la expresividad de sus emociones y el yo poético muestra metafóricamente sus sentimientos: “De estas aves… / y de verlas en prisión / siento yo grave pasión / sin sentir nadie la mía”).

Jorge Manrique

Es el poeta más relevante del siglo XV. Participó en la vida política y cortesana. Su labor poética y su educación literaria fueron determinadas por su tío, el dramaturgo y poeta Gómez Manrique. De su poesía se han conservado tres poemas morales, algunas composiciones amorosas en la línea cortesana, satíricas y las Coplas a la muerte de su padre.

Contenido de las Coplas a la muerte de su padre

Las coplas son una elegía en la que la muerte de su padre, Rodrigo Manrique, suscita en el poeta una sentida reflexión sobre la vida y la muerte. Aunque se integren en la corriente artística que aborda la muerte, se aleja de las danzas de la muerte para mostrarnos versos llenos de emoción y sentimiento. El poeta utiliza los siguientes tópicos:

• La vida terrenal: la prioridad de la vida eterna, la única verdadera, y el desprecio de un mundo donde todo es ‘vanidad de vanidades’ y cuyo mérito es el de ser el camino hacia el otro mundo. Se relaciona con el memento mori.
• Ubi sunt?: ‘¿dónde están?’ Pregunta dónde han ido a parar los personajes y hechos que en su día fueron célebres.
• Tempus fugit: ‘el tiempo huye’. Alude a la brevedad de la vida y se relaciona con que la fortuna es variable.
• Poder igualador de la muerte: la igualdad ante la muerte. Muy empleado, Manrique prescinde de la visión macabra.
• Fama de los hechos gloriosos: gracias al cumplimiento del papel social de los nobles.

Estructura de las Coplas a la muerte de su padre

Las coplas se dividen en tres partes en las que la reflexión va progresando desde las ideas generales al caso de su padre:

• 1ª parte (I-XIV): meditación sobre la igualdad ante la muerte y la fugacidad de lo mundano. Expone la visión cristiana de la vida atendiendo a la eternidad.
• 2ª parte (XV-XXIV): desarrolla el ubi sunt? con casos de personajes ilustres y sucesos de la historia castellana.
• 3ª parte (XXV-XI): glorificación de su padre, quien aparece como ejemplo de caballero cristiano. Su padre trascenderá con sus hechos y consigue la fama a través del tiempo. Siempre será recordado y será premiado en la vida eterna.

Copla de pie quebrado o manriqueña

La obra está compuesta en copla manriqueña, estrofa formada por dos sextillas (seis versos cada una) de versos tetrasílabos y octosílabos de rima consonante con esta estructura métrica: 8a 8b 4c 8a 8b 4c 8d 8c 4f 8d 8e 4f.

Se denomina manriqueña por haber sido utilizada por Manrique en su obra más importante; se llama copla de pie quebrado porque el tercer y sexto verso de cada sextilla miden la mitad que los otros dos.

En cuanto al estilo, destaca su sencillez, espontaneidad, naturalidad, lenguaje llano y concisión. Tiene una expresión sincera y emotiva de los sentimientos propios sobre la vida, la muerte y el dolor que le produce la desaparición de su padre. Algunos recursos frecuentes en su obra son: antítesis, juegos conceptuales, paralelismo, pregunta retórica, símbolo y comparación. Manrique también emplea de forma original elementos tomados de la tradición literaria.

Poesía Italianizante

Es la poesía originaria de Italia surgida en los siglos XIII y XIV en la que se introdujeron una serie de innovaciones tanto en la forma, como en los temas y el estilo, con la que se inicia la poesía moderna o petrarquista, que se expandirá por Europa y se toma como modelo para la lírica renacentista (siglos XVI y XVII: Garcilaso, Lope, Quevedo, Góngora, Shakespeare, etc.).

Los precursores de este tipo de poesía son Dante (siglo XIII) y Petrarca (siglo XIV), de los que se toman como modelo la métrica (endecasílabo, terceto, soneto), los temas (amor ideal) y el estilo (uso equilibrado de los recursos).

Dante es el autor de la Divina Comedia, obra en la que se describe el Infierno, el Purgatorio y el Paraíso en tercetos endecasílabos, y Petrarca es el autor del Cancionero, obra que dedica a Laura, su amor ideal, en la que utiliza dos nuevas composiciones: la canción petrarquista y el soneto (composición poética formada por dos cuartetos y dos tercetos de versos endecasílabos de rima consonante según el siguiente esquema métrico: ABBA.ABBA.CDC.DCD).

Prosa Medieval (siglos XIII, XIV y XV)

Las muestras más antiguas son las glosas silenses y emilianenses (siglo II). En el siglo XIII hay mayor elaboración gracias a Alfonso X o a las colecciones de cuentos. En el siglo XIV, don Juan Manuel escribe la obra más significativa de este período, El conde Lucanor. También aparecen los libros de caballerías. Finalmente, en el siglo XV surgirán nuevos géneros como la novela sentimental.

Alfonso X el Sabio (siglo XIII)

Es un hito de la evolución de la lengua y de su literatura. Este monarca impulsó el uso del castellano para sustituir al latín. Además, promovió la redacción de obras científicas, históricas y legales. Para ello, impulsó la colaboración de sabios en la Escuela de Traductores de Toledo. Su labor cultural abarcó:

• Libros científicos: principales: Lapidaria y Libros del saber de astronomía.
• Obras históricas: General Estoria (historia del mundo desde la creación hasta el nacimiento de la Virgen) y la Estoria de España (desde los primeros pobladores de la península hasta el año 711).
• Textos legales y jurídicos: Siete partidas y el Espéculo, permitieron mayor difusión de leyes.
• Obras lúdicas: Libro del ajedrez, dados y tablas.

Este proyecto cultural supuso un gran desarrollo para el castellano. Se añadieron neologismos y préstamos, y la sintaxis de las antiguas crónicas se volvió más dinámica y ágil.

Alfonso X también se cultivó en el ámbito lírico con su obra Cantigas de Santa María.

Colecciones de cuentos o exemplos

El exemplo es un breve relato cuya intención es transmitir una enseñanza de forma agradable y amena a través de la narración de un caso ejemplificador. Los ejemplarios (recopilaciones de exemplos) eran para reyes y nobles, para proporcionarles una guía de conducta, ya que estaban inspirados por la moral cristiana.

El origen es remoto y con el tiempo sufren transformaciones. Las primeras son del siglo III, como el Libro de los engaños de las mujeres.

Estas colecciones suelen recurrir al uso de un marco narrativo para insertar cuentos enmarcados. Es habitual que un personaje relate cuentos para retrasar el cumplimiento de una sentencia (Mil y una noches), que diferentes personajes ejemplifiquen con relatos sus opiniones de un juicio (Sendebar) o que un sabio ilustre con consejos (exemplos) a un rey (El conde Lucanor).

La prosa de ficción

• Libros de caballerías: surgen a partir de la prosificación de los cantares de gesta y las leyendas sobre el rey Arturo. El protagonista es un caballero de origen noble que se enfrenta a sus enemigos. Se estructuran en torno a un viaje lleno de aventuras con elementos sobrenaturales. La primera obra en castellano es el Libro del caballero Zifar (siglo XIV). En los siglos XV y XVI tuvieron una gran profusión y fueron muy leídos, sobre todo por nobles y burgueses. Entre las obras destacadas del siglo XV destacan Amadís de Gaula de Rodríguez de Montalvo, Palmerín de Inglaterra, Oliveros de Castilla, Tirante el Blanco de Joanot Martorell y Cristalián de España de Beatriz Bernal, primera mujer en escribir una novela.
• Libros de amor sentimental: subgénero con origen en la prosificación de la lírica cancioneril. Narra el enamoramiento, con triste final, de dos protagonistas nobles que se comportan según los prototipos del amor cortés. Algunos libros conservados son Siervo libre de amor de Rodrigo de Padrón y Grimalte y Gradisa de Juan Flores.

Don Juan Manuel

Sobrino de Alfonso X, tenía una gran biblioteca que se destruyó en un incendio. Comprometido con su condición de aristócrata, sus obras tienen un fin didáctico dirigido a la aristocracia, a la que ofrece guías de conducta política, social y religiosa.

Temas

• Políticos: vinculados al papel social de una nobleza en decadencia: guerra, educación de los nobles, riqueza, etc.
• Morales: relacionados con las conductas de las personas, sus virtudes y sus defectos.
• Religiosos: salvación del alma. Tratan los asuntos religiosos desde una perspectiva cristiana.

Estilo

Los rasgos del estilo y el lenguaje están marcados por el didactismo. Emplea el castellano para convertirla en lengua de cultura, con una preocupación por la corrección y comprensión de su obra, en la cual busca conseguir un estilo propio. Se caracteriza por su claridad, su exquisita selección de vocabulario y su sencillez.

Obra

Las principales son: Libros de los Estados (política), Libro del caballero y del escudero (manual para ser caballero), Libro de los castigos y consejos (educación de su hijo), El libro de la caza y el más destacado, Libro de Patronio o El Conde Lucanor.

El conde Lucanor

Es la obra más lograda artísticamente sobre los temas que preocupaban al autor y a su intención didáctica. Se diferencian la estructura de la obra y la de los cuentos.

Estructura de la obra

• 1ª parte: 51 cuentos.
• 2ª parte: libro de los proverbios (reflexiones morales sobre la conducta y la condición humana).
• 3ª parte: libro doctrinal. Consideraciones varias sobre la fe y la doctrina cristiana.

Estructura del cuento

• Introducción: se presenta la escena y a los personajes (Patronio y el Conde Lucanor).
• 1ª parte: el narrador introduce el diálogo entre el conde y su ayo (consejero, instructor). El conde le plantea un problema a Patronio.
• 2ª parte: relato del cuento (exempla). Patronio, en lugar de darle una solución directa, le relata un cuento que tiene que ver con el tema planteado.
• 3ª parte: el conde comprende, acepta la solución y la pone en práctica.
• 4ª Final/Conclusión: el narrador concluye con un pareado en el que se expone la moraleja del cuento.

El narrador

En cada cuento aparecen dos tipos de narrador:

• Narrador externo: omnisciente en 3ª persona que presenta a los personajes, introduce el diálogo y concluye con el pareado. Se identifica con el autor.
• Personaje narrador: Patronio como personaje (1ª persona) se convierte en narrador (3ª persona) cuando relata el cuento que sirve de ejemplo al tema planteado. Se trata, por tanto, de un narrador interno.

El teatro Medieval

Teatro religioso

Nace vinculado al ceremonial cristiano. Suponemos que para la transmisión de la doctrina. Las primeras muestras consisten en breves textos con música que se fueron haciendo dialogados. Primero se hacían dentro de los templos, pero después necesitaron un espacio propio al aire libre. Estaba ligado a los ciclos fundamentales del calendario cristiano: el ciclo de Navidad (nacimiento de Jesús) y el ciclo de Pascua (muerte y resurrección de Cristo). Gómez Manrique escribe algunas obras dramáticas de contenido religioso: Nacimiento de Nuestro Señor y Representaciones hechas para Semana Santa.

Auto de los Reyes Magos: es la obra mejor conservada y pertenece al ciclo de Navidad. Se trata de una pieza incompleta del siglo XII. Se conservan 147 versos de diferente medida. En la obra se dramatiza cómo los Reyes Magos, siguiendo a la estrella, viajan a Belén para adorar a Jesús.

Teatro del siglo XV

Considerado como el Prerrenacimiento, este siglo supone una etapa de transición entre la Edad Media y el Renacimiento, fundamentalmente en la lírica y el teatro. Además de La Celestina, en el siglo XV aparecen los primeros autores de teatro no religioso. Se trata de un grupo de cuatro autores que se conoce como Generación de los Reyes Católicos, formado por:

• Lucas Fernández: autor de las ‘Jornadas’, divisiones que se corresponden con los actos. Una de sus obras más destacada es Berenguela.
• Torres Naharro: compuso varias obras, entre las que destaca Ymenea.
• Gil Vicente: autor bilingüe (portugués y castellano). Compuso para la corte tanto en castellano como en portugués. Compuso obras de carácter religioso como Auto da Visitaçao o Auto da Barca, y de tema épico como Don Duardos.
• Juan del Encina: autor importante del teatro del siglo XV, en cuya obra ya se aprecia la influencia italiana. Su obra más relevante son las Églogas, en las que dos o más pastores dialogan entre ellos.

La Celestina

Ediciones y títulos

La primera versión se publica en Burgos en 1499, dividida en 16 actos con el título de Comedia de Calisto y Melibea. Más tarde se vuelve a publicar con varios añadidos (en 1501, con el mismo título):

• Carta prólogo: el autor se dirige a ‘su amigo’ y explica que encontró en Salamanca el primer auto y decidió continuarlo. Sostiene que la intención es advertir a los amantes sobre los peligros del amor, los sirvientes malvados y las alcahuetas. La ‘doble autoría’ se confirma, ya no solo con este prólogo, sino con la diferencia de estilo y lenguaje entre el primer acto y el resto.
• Poema acróstico: dividido en octavas, se revela el nombre del autor: Fernando de Rojas, quien insiste en la intención de la obra.
• Argumento: explicación de la trama general.
• Versos del corrector de la impresión: coplas escritas por el humanista Alonso de Proaza.

En 1502, en Sevilla y Salamanca, la obra se edita con cinco actos más, un prólogo y el nuevo título: Tragicomedia de Calisto y Melibea.

Origen y fuentes

• La comedia romana: es el modelo de la obra en cuanto a personajes y ambiente. No solo aparecen personajes de la burguesía y la nobleza, sino también personajes del pueblo y marginales (criados y prostitutas). La comedia romana está representada por dos autores: Plauto, autor de La Olla y Miles Gloriosus (soldado fanfarrón), y Terencio, autor de los Adelfos. Rojas, del Miles Gloriosus, coge al personaje de Centurio, quien se enfrenta a Sosias, criado de Calisto.
• La comedia latina medieval: género dramático compuesto en latín en la Edad Media donde aparecen personajes de extracción popular y ambientes marginales. La obra más representativa de este género es el Pamphilus de Amore, de autor anónimo en el siglo XII, y en la que aparece el personaje de la alcahueta del Libro de Buen Amor y de La Celestina.
• La comedia humanística: género dramático surgido en Italia en el siglo XV, compuesto en italiano o latín en ambientes universitarios. Está compuesta en forma de diálogo, pero no estaba dirigida a la representación; posiblemente, se tratara de ejercicios de retórica para practicar los distintos discursos. La Celestina presenta esta forma dialogada y es probable que el primer auto de autor anónimo fuera un ejercicio práctico de retórica de algún alumno universitario.

Género

La obra presenta características propias del género dramático, aunque dada la época en la que fue compuesta (finales del siglo XV), una época de transición hacia el Renacimiento, presenta también rasgos característicos renacentistas.

Rasgos que lo definen como obra dramática: división en autos y escenas, acotaciones y apartes; resumen introductorio de los actos; diálogo.

Características de la novela: personajes redondos; no se respeta la regla de las tres unidades; el tiempo narrativo, recursos que se utilizaban para indicar el paso del tiempo; realismo, puesta en escena de la sociedad medieval del siglo XV; difícil representación por su extensión.

Se puede concluir que La Celestina es una obra dramática de difícil representación o una novela dialogada.

Argumento

Calisto, un joven de elevada posición social, declara su amor a Melibea, quien en un primer momento lo rechaza. Aconsejado por Sempronio, uno de sus criados, Calisto recurre a los servicios de una alcahueta llamada Celestina. Gracias a sus artes mágicas y a su labia, consigue hacerse con una ‘prenda’ de Melibea para Calisto. La alcahueta ha embaucado también a Pármeno, criado de Calisto, para ganarse su apoyo. Poco después llama a Melibea, va a su casa y, entre ambas, acuerdan un encuentro entre los dos jóvenes. Estos se declaran y se citan para la próxima noche. Pármeno y Sempronio matan a la alcahueta por negarse a compartir con ellos la remuneración que le ha entregado Calisto. El protagonista acude a la noche siguiente al huerto de Melibea, donde consuman su amor. Pero, tratando de ayudar a unos sirvientes, cae y muere. Deshecha por el dolor, la joven confiesa a su padre, Pleberio, su amor por Calisto y se suicida desde la azotea de su casa. El padre le comunica esto a su esposa y pronuncia un planto/lamento al final de la obra.

Principales temas e intención

• El amor: asunto central de la obra. Aparece como una enfermedad con síntomas como una enajenación mental, pérdida del apetito, etc., los cuales muestra Calisto exageradamente. Aparece el amor egoísta de Calisto, una caricatura del amor cortés, y el amor sincero de Melibea.
• La muerte: en el caso de Calisto y Melibea, aparece como una consecuencia producida por una serie de actos encadenados, del amor ilícito (por razones religiosas y sociales) y de la lujuria. En el caso de los criados y Celestina, se presenta como resultado de la codicia y avaricia. La muerte es citada muchas veces como resultado desesperado de todos los personajes.
• La fortuna: se presenta la idea de que cada uno crea su propio destino con sus decisiones.
• Otros temas: hechicería, honra, dinero, etc.

Aunque la intención es ambigua, predomina una interpretación de ella como obra didáctico-moral. Intenta advertirnos de las consecuencias de la pasión amorosa y prevenirnos de criados traidores y alcahuetas, en un tono frecuentemente irónico y humorístico que entretiene y divierte.

Personajes

• Calisto: caballero joven y noble, parodia del amante cortés de los libros sentimentales. Calisto está enfermo de amor y, aunque es un personaje bastante plano, muestra al final un rasgo de generosidad al acudir en auxilio de sus criados.
• Melibea: heredera única de una familia rica. Presenta un carácter más profundo. Aunque primero rechaza a Calisto, demuestra su amor verdadero, aunque no sabemos cuánto influye en eso el hechizo de Celestina. Se trata de una mujer joven y con carácter. Físicamente encontramos diferencias en lo que dicen diferentes personajes sobre ella.
• Celestina: presenta un carácter más individualizado y complejo. Conocemos sus oscuras habilidades de brujería y muchos otros detalles. Quizá lo que más destaque sea su codicia y su capacidad para conocer el estado de ánimo de los personajes y manipularlos con su oratoria.
• Sempronio y Pármeno: representan al principio el tradicional dúo de criado traidor y criado fiel. Después, ambos son movidos por la avaricia, la lujuria, etc.
• Pleberio y Alisa: son los padres de Melibea. Pertenecen a una clase social alta. Desconocen el verdadero carácter de su hija, a quien ven como una doncella dócil e inocente.
• Elicia y Areúsa: dos prostitutas que pertenecen a ese mundo social de los bajos fondos en el que se experimenta un fuerte resentimiento hacia los ricos. Sus relaciones con los dos criados son un contrapunto de la relación entre los personajes principales.

La caracterización de los personajes se lleva a cabo por dos procedimientos:

• Forma de expresarse de cada personaje: estilo propio de los amantes de los libros de amor sentimental, en el caso de Calisto; el estilo propio de una mujer joven enamorada, en el caso de Melibea, y el lenguaje entre popular y vulgar de los criados. Celestina utiliza los distintos registros según el contexto: entre culto y formal con Calisto, maternal con Melibea y vulgar con los criados.
• Cada personaje describe de una manera subjetiva y particular a los demás personajes. Ejemplo: Melibea para Calisto es una diosa, mientras que para Elicia y Areúsa es la culpable de sus males.

Otro rasgo estilístico es el uso constante de proverbios y sentencias que los personajes usan como razonamientos. El autor utiliza un estilo llano y coloquial con los criados y prostitutas, y un lenguaje literario para las clases altas.

• Personajes redondos: personajes que tienen una evolución psicológica a lo largo del desarrollo de la obra. Este tipo de personajes aparecen en el siglo XIV en Italia a partir de la obra de Boccaccio, precursor de la novela moderna. Se trata de una innovación narrativa, dado que hasta este momento los personajes son arquetipos que mantienen sus características sin evolución (personajes planos).
• Regla de las tres unidades: regla aristotélica referida fundamentalmente a la tragedia por la cual se establecía que en la obra se desarrolla una sola acción en único espacio y en un solo día.

Corrales de Comedia

Patios interiores de viviendas que se habilitaban para la representación de obras dramáticas. Se distribuían de la siguiente manera:

• Escenario: al fondo del patio, elevado y con varias cortinas y trampillas para la salida y entrada de los actores. Los balcones a su espalda se utilizaban de decoración también.
• Patio: zona para un determinado público, como los mosqueteros.
• Cazuela: tras la zona de los mosqueteros, zona reservada a las mujeres.
• Resto del espacio: balcones, galerías, etc. Eran ocupados por personas de clase social alta.

Por tanto, el público se dividía en función del sexo y la clase social.

Teatro Barroco

Comienza en el siglo XVII y se convierte en un espectáculo de masas donde destacan Lope de Vega, Tirso de Molina y Calderón de la Barca. Dividimos este teatro en tres:

• Teatro religioso católico: cuyo ejemplo destacado son los autos sacramentales (piezas breves, heredadas del teatro medieval, constan de un acto divulgativo de la fe católica). Se representaban al aire libre y contaban con una gran y espectacular escenografía.
• Teatro cortesano: se incorporan las innovaciones de la escena italiana y ofrecen lugares decorados, ambientación musical e iluminación. Ante el rey actuaban las compañías reales; las demás, llamadas de leguas, actuaban separadas de la ciudad mínimamente por una legua.
• Teatro urbano: estas obras se representaban en corrales de comedia y se realizaban por compañías, cuyo director era el autor. Tenían principalmente una comedia de tres actos y se incluían otras piezas: antes del primer acto, una loa (composición breve de carácter cómico para captar la atención del público); tras el primer acto, un entremés (para entretener al público en el cambio de escena y dar tiempo a los artistas y trabajadores al cambio de vestuario y decorado), y entre el segundo y tercer acto, un baile para cerrar el espectáculo.

Las referencias espaciales y temporales eran responsabilidad de las palabras de los personajes y los decorados, que después se fueron aumentando paulatinamente. El urbano era un teatro muy criticado pero con mucho éxito. Los argumentos contra estas críticas se basaban en los beneficios económicos, la capacidad de entretener y el uso como guía moral.

Las obras más vistas eran comedias de enredo o de capa y espada, además de diferentes dramas.

2ª mitad del siglo XVI (“Generación de los trágicos”)

Lope de Rueda: Las aceitunas

– Autor, director y actor

– Introductor de importantes innovaciones técnicas

– Creador de los llamados “pasos”, precedente de los entremeses.

Juan de la Cueva:

Los siete infantes de Lara, La muerte del rey Don Sancho, Bernardo del Carpio.

– Precursor de la comedia de capa y espada de tema histórico o legendario.

– Autor de cuatro tragedias y diez comedias.

Jerónimo Bermúdez: Nise lastimosa y Nise laureada.

Miguel de Cervantes:

La Numancia (tragedia), El trato de Argel    y     Ocho comedias y ocho entremeses

CONSOLIDACIÓN (SIGLOS XVI Y XVII)

Lope de Vega: Arte Nuevo de hacer comedias (Aguja de navegar ingenios)

CLASIFICACIÓN DE SU OBRA POR TEMAS

De capa y espada: La dama boba, Los melindres de Belisa

Legendario y honor: Fuenteovejuna, El mejor alcalde, el rey, Peribáñez y el Comendador de Ocaña, El caballero de Olmedo.

Amoroso o de enredo: El perro del hortelano, La Arcadia

Novelesco: El marqués de Mantua, Las mocedades de Roldán

Bíblico o religioso: La hermosa Esther, Lo fingido verdadero

Histórico: El duque de Viseo

Mitológico: El vellocino de oro

Autos sacramentales: El gran teatro del mundo; La cena de Baltasar.

CONTINUADORES

Escuela de Lope:

Guillén de Castro: Las mocedades del Cid, Don Alarcos,  Don Quijote de la Mancha, El curioso impertinente, La fuerza de la sangre

Juan Ruiz de Alarcón: La verdad sospechosa

Tirso de Molina (Gabriel Téllez): El burlador de Sevilla, El condenado por desconfiado, La prudencia en la mujer, Don Gil de las calzas verdes, El vergonzoso en palacio, La gallega Mari-Hernández

Teatro barroco: Calderón de la Barca

Primera época: El sitio de Breda y El príncipe constante

Etapa de madurez:

Obras de capa y espada: La dama duende; Casa con dos puertas….

Históricas o de honor: El alcalde de Zalamea; El médico de su honra

Dramas religiosos: La devoción de la cruz

Dramas filosóficos: La vida es sueño

Autos sacramentales: El gran teatro del mundo; La cena de Baltasar. 

Decoro 

En la Antigüedad Clásica, además de los personajes se incluía un elemento dramático formado por una o varias personas llamado coro, que generalmente no aparecían en el escenario aunque sus voces eran oídas por el público.

Este coro tenía como función aludir a hechos pasados para entender bien los acontecimientos que ocurrían en escena o para aludir a hechos que no podía aparecer en escena (de carácter sexual o violento). También para hechos que tenían lugar en el futuro.

Así pues, el decoro poético es aquello que tiene que ver en las escenas de carácter violento o sexual, es decir, escenas que por decoro no saben estar en el escenario.

En el s.XVIII, Lope de Vega en su ‘Arte Nuevo’ establece su opinión sobre el decoro poético. Lope considera factible la aparición de hechos violentos en escena, pero sugiere y aconseja evitar las escenas de carácter sexual. En ausencia de coro, serán otros personajes quienes aludan indirectamente al hecho.

Lope de Vega

Características y obra dramática:

Además de las características recogidas en el Arte Nuevo de Hacer Comedias (obra teórica sobre el teatro barroco) las obras de este autor se pueden clasificar en:

-Obras de tono ligero: comedias de enredo ambientadas en un entorno urbano con el amor como tema principal. Obras con celos y malentendidos que acaban con un final feliz. ej: El perro del hortelano.

-Obras de tono serio: dramas de honor campesino en un entorno rural y protagonizados por un campesino rico, cristiano y viejo que, junto a su pueblo, se enfrenta al abuso de poder de un noble. También aparece el rey apoyando al villano. Ej. Fuente ovejuna.

-Otras: obras de honor, amor, misterio,… Ej. Caballero de Olmedo.

Principales títulos:

-El perro del hortelano: tema amoroso, La condesa Diana se enamora de su secretario Teodoro, quien está enamorado de la criada de la condesa, Marcela. Diana, por su posición social, no puede estar con él pero tampoco acepta verlo con otra persona.

-Fuente Ovejuna: el tema principal es el de la justicia contra el abuso de poder. El comendador se enamora de la hija del alcalde y en su boda secuestra a esta y al novio. Ella vuelve al pueblo pidiendo venganza y esta mata al comendador.

-El caballero Olmedo: destacan los temas amor, muerte y misterio. Lope toma una historia real de una canción popular donde el protagonista, Alonso Manrique, se enfrenta a una temprana muerte.

-Arte Nuevo de hacer Comedias: fórmula dramática con novedades->comedia nueva.

Innovaciones: objetivo de entretener; ruptura de las unidades dramáticas; mezcla de elementos trágicos y cómicos, para pretender naturalidad; estructuración de la obra en 3 actos; escritura en verso (decoro poético); tema de la honra.

Personajes: galán y dama; el rey; noble poderoso; villano rico; gracioso (muy apreciado por el público).