La Crisis del Pensamiento y su Impacto en el Arte del Siglo XX

El cambio entre los siglos XIX y XX se caracterizó por una profunda angustia entre artistas e intelectuales, quienes veían como fracasados los intentos de reforma de la vida humana iniciados en el siglo XVIII. El optimismo ilustrado dio paso a una crisis del individuo, incapaz de afirmarse en el modelo social impuesto por el desarrollo industrial y el auge de la burguesía. Esta angustia se manifestó en diversas actitudes adoptadas por los escritores del siglo XX:

• La expresión de la angustia existencial y religiosa.
• El intento de transformar el mundo a través de la protesta social y política.
• La búsqueda de sentido al sufrimiento humano en la religión y en Dios.
• El escapismo y el esteticismo como evasión de la problemática social y existencial.

Razones de la Crisis

Esta crisis se fundamentó en tres pilares principales: la incertidumbre científica, la amenaza tecnológica y la crisis del pensamiento filosófico dominante en la segunda mitad del siglo XIX.

Incertidumbre Científica

Los descubrimientos de las primeras décadas del siglo XX desmantelaron las bases científicas consideradas inamovibles durante la segunda mitad del siglo XIX. La idea de que la ciencia podía explicar el universo de manera certera se desmoronó. La ciencia del siglo XX se sumió en la incertidumbre, al reconocer la naturaleza cambiante, compleja y difícil de explicar racionalmente de la realidad. Henri Poincaré llegó a afirmar que ya no se podía determinar si una teoría era verdadera o falsa, sino solo si era útil.

Amenaza Tecnológica

El progreso técnico del siglo XX transformó radicalmente el mundo en áreas como el transporte, las comunicaciones, la medicina y el bienestar social. Sin embargo, este avance también trajo consigo nuevas amenazas para la humanidad: la carrera nuclear, la contaminación, el calentamiento global, las nuevas formas de guerra, el ultracapitalismo y la manipulación genética.

Crisis del Pensamiento Filosófico

El Positivismo de Augusto Comte dominó la filosofía europea durante la segunda mitad del siglo XIX. Sin embargo, hacia finales de siglo, se hizo evidente que la razón no podía explicar la complejidad de la realidad en su totalidad. Surgieron entonces nuevos enfoques para comprenderla. Los filósofos irracionalistas como Schopenhauer, Nietzsche y Kierkegaard reaccionaron contra el Positivismo, centrando la filosofía en la explicación de la vida humana y argumentando que la razón no era útil para comprender la existencia, regida por impulsos irracionales.

El Irracionalismo y sus Consecuencias

¿Cómo explicar racionalmente el amor, el miedo o la angustia de vivir? Vinculadas a las posiciones irracionalistas, surgieron tres escuelas de pensamiento que influyeron profundamente en la literatura del siglo XX: el Existencialismo, el Psicoanálisis y el Marxismo.

• El Existencialismo: Se centra en la idea de que el hombre es un ser para la muerte, una condición que genera angustia existencial.
• El Psicoanálisis: Busca analizar los impulsos irracionales que gobiernan la vida humana.

El Modernismo Literario: Ruptura y Experimentación

El modernismo, en términos generales, se refiere a la literatura vanguardista en lengua inglesa que floreció entre 1900 y 1940. Este movimiento se desarrolló principalmente en Europa, atrayendo a muchos escritores estadounidenses a ciudades como Londres y París. En la literatura inglesa, el término modernismo designa más una época que un movimiento literario uniforme. Influenciado por el experimentalismo y las vanguardias artísticas continentales, el modernismo se caracteriza por su ruptura con la herencia victoriana.

Los escritores modernistas comparten el rechazo de la herencia inmediata y de la representación realista. Se distinguen por su voluntad de jugar con las expectativas del lector, la tendencia a psicoanalizar a sus personajes mediante el monólogo interior y la mezcla de argot callejero con un lenguaje más elaborado. En poesía, experimentan con el verso libre y añaden al lirismo alusiones culturales heterogéneas e imágenes inconexas. La poesía modernista, a menudo difícil de comprender, adquirió un carácter elitista.

Virginia Woolf y la Conciencia Perceptiva

La creación novelística de Virginia Woolf se basa en la transposición instantánea de las acciones dramáticas al plano de la conciencia perceptiva. El pensamiento generador imita el fluir del tiempo en un orden abstracto, recreando el tiempo como profundidad psíquica y no como mera sucesión. Este procedimiento convierte el tiempo en una realidad estable, sin sucesos propiamente dichos.

El conocimiento que el novelista tiene de su personaje, revelando a la vez el conocimiento que el personaje tiene de sí mismo, es uno de los aportes más notables de Virginia Woolf a la novela. Ella buscaba capturar el instante fluyente e infinito de la vida, haciendo perceptible al lector la técnica misma de la imaginación y llevando el género narrativo a nuevos terrenos de experimentación.

Virginia Woolf sigue la tradición de otros novelistas modernistas como Marcel Proust y James Joyce, donde la trama es secundaria respecto a la introspección filosófica, y la prosa puede ser retorcida y difícil de seguir.

Análisis de una Escena de «Al Faro»

En la escena analizada, aparecen tres personajes: Mr. y Mrs. Ramsey y su hijo James. Una de las contribuciones más importantes del Modernismo a la novela fue la técnica del fluir de la conciencia, utilizada por autores como James Joyce, Virginia Woolf y William Faulkner. Esta técnica representa la complejidad de la psicología de los personajes a través de un flujo no lógico de imágenes, sensaciones e ideas.

En este caso, la técnica se manifiesta en dos personajes:

1. James: Desea ir al faro al día siguiente y se entretiene recortando imágenes de catálogos.
2. Mrs. Ramsey: Observa a su hijo y pronostica su futuro, basándose en sus características.

«Al Faro» de Virginia Woolf: Un Hito del Modernismo

El fragmento analizado corresponde al inicio de la novela “Al faro”, publicada en 1927. Esta obra es un hito del alto modernismo, centrada en la familia Ramsay y sus visitas a la isla de Skye. La novela manipula el tiempo y la exploración psicológica, siguiendo la tradición de novelistas modernistas como Marcel Proust y James Joyce. La trama es secundaria respecto a la introspección filosófica, y la prosa puede ser retorcida y difícil de seguir. La novela incluye poco diálogo y casi ninguna acción, escrita principalmente como pensamientos y observaciones.

Al faro se ambienta en dos días separados por diez años, girando en torno a la anticipación de la visita al faro y las tensiones familiares. La novela explora la lucha en el proceso creativo, el paso del tiempo y cómo las mujeres son forzadas por la sociedad a permitir que los hombres tomen de ellas la fortaleza emocional.

Adeline Virginia Woolf: Una Figura Clave del Modernismo

Adeline Virginia Woolf (1882-1941) fue una novelista, ensayista, escritora de cartas, editora, feminista y escritora de cuentos británica, considerada una de las figuras más destacadas del modernismo literario del siglo XX. Sus obras más famosas incluyen La señora Dalloway, Al faro, Orlando: una biografía, Las olas y su ensayo Una habitación propia. Woolf experimentó con el tiempo narrativo, tanto en su aspecto individual como en su relación con el tiempo histórico y colectivo.

Otras obras destacadas incluyen Orlando (1928) y Las olas (1931). Su última obra, Entre actos (1941), resume sus principales preocupaciones: la transformación de la vida a través del arte, la ambivalencia sexual y la reflexión sobre el tiempo y la vida.

Análisis del Poema 1 de «20 Poemas de Amor y una Canción Desesperada»

El poema analizado es el número 1 de la obra “20 poemas de amor y una canción desesperada”, escrita por Pablo Neruda en 1924. El libro comienza con el canto a la mujer como sujeto preponderante. El poema presenta una dualidad entre el “cuerpo de mujer” y el “cuerpo de labriego salvaje”, destacando la adjetivación que caracteriza a cada sustantivo. El cuerpo se convierte en el eje central del poema, buscando el adjetivo que lo defina.

Veinte poemas de amor y una canción desesperada es una de las obras más célebres de Pablo Neruda (1904-1973), publicada en 1924. El poemario lanzó a su autor a la fama con apenas 19 años y es una de las obras literarias más renombradas del siglo XX en lengua española. La obra está compuesta por veinte poemas de temática amorosa y un poema final titulado La canción desesperada. Aunque basado en experiencias amorosas reales, el libro no se dirige a una sola amante, sino que crea una imagen poética de su objeto amoroso.

Pablo Neruda: Un Gigante de la Poesía

Pablo Neruda, cuyo nombre de nacimiento era Ricardo Eliécer Neftalí Reyes Basoalto, fue un poeta chileno considerado uno de los mejores y más influyentes artistas de su siglo. Ganó el Premio Nobel de Literatura en 1971 y fue un destacado activista político. Harold Bloom lo considera uno de los veintiséis autores centrales del canon de la literatura occidental de todos los tiempos.

El Cuerpo de la Mujer en el Poema de Neruda

El poema comienza con el canto a la mujer como sujeto lírico, acercando los términos de identificación y disidencia: los cuerpos. El “cuerpo de mujer” se enfrenta al “cuerpo de labriego salvaje”. La adjetivación es clave en la poética de Neruda, caracterizando al sustantivo con expresiones como “de mujer” y “de labriego”. El cuerpo se convierte en el eje central del poema, buscando el adjetivo que lo defina. El sujeto lírico se mueve en un marco de signos lingüísticos que persiguen la expresión total.

El amor descrito es de naturaleza física, centrado en el cuerpo de la amada. Este amor soluciona la soledad y la oscuridad, pero surge como un ejercicio de voluntad, incluso con cierta violencia. La voluntad se convierte en sentimiento, describiendo las virtudes y la belleza de la amada. Sin embargo, la necesidad de amor es tan grande que se convierte en sufrimiento, reflejando la dualidad del amor.

La Consolidación de la Novela en el Siglo XX

Los novelistas de la primera mitad del siglo XX continuaron la ruptura con el Realismo, introduciendo nuevas técnicas narrativas y ampliando la temática de los relatos. La narrativa se diversificó en subgéneros que coexistieron en el tiempo:

• Novela existencial: Iniciada con obras como “La náusea” de J.P. Sartre y “La peste” de A. Camus, exploró temas existenciales y se extendió a otros países.
• Novela experimental: Siguió la línea iniciada en las primeras décadas del siglo, con el movimiento “Nouveau Roman”.
• Novela de ciencia-ficción: Abordó temas como robots, viajes en el espacio y en el tiempo, utopías y distopías, y el contacto con vida extraterrestre.
• Novela fantástica: Hundió sus raíces en la literatura medieval y romántica, destacando autores como J.R.R. Tolkien y Michael Ende.
• Novela policial: Presentó variantes como la novela de intriga detectivesca, la novela negra y la novela de carácter y circunstancias personales.
• Novela histórica: Género de éxito que se centró en cuestiones existenciales, culturales y en la explicación del presente a través del pasado.

Análisis Métrico del Poema de Neruda

El poema consta de 16 versos distribuidos en 4 estrofas de 4 versos cada una. Los versos son alejandrinos (de 14 sílabas), salvo el verso 8, que tiene 16 sílabas. Riman los pares en asonante, con asonancia distinta en cada estrofa, y quedan libres los impares. El poema utiliza abundantes sinalefas, dialefas y encabalgamientos, así como repeticiones rítmicas mediante la anáfora, paralelismos y polisíndeton. Semánticamente, explota la metáfora, comparaciones e hipérboles para expresar la inmensidad del amor por el cuerpo de la mujer.

La Mujer como Sujeto Lírico en el Poema de Neruda

El poema comienza con el canto a la mujer como sujeto en que echa sus raíces la lírica. Se enfrentan el “cuerpo de mujer” con “mi cuerpo de labriego salvaje”. La adjetivación es clave, caracterizando al sustantivo con expresiones como “de mujer” y “de labriego”. El cuerpo se convierte en el eje central del poema, buscando el adjetivo que lo defina. El sujeto lírico se mueve en un marco de signos lingüísticos que persiguen la expresión total. Neruda manipula las palabras para expresar los misterios del amor lírico.

El amor es de naturaleza física, centrado en el cuerpo de la amada. Este amor soluciona la soledad y la oscuridad, pero surge como un ejercicio de voluntad, incluso con cierta violencia. La voluntad se convierte en sentimiento, describiendo las virtudes y la belleza de la amada. Sin embargo, la necesidad de amor es tan grande que se convierte en sufrimiento, reflejando la dualidad del amor.