El rayo que no cesa: Argumentos: El poema refleja el amor insatisfecho y doloroso que caracteriza gran parte de la obra de Miguel Hernández. El poeta expresa un sentimiento intenso y desgarrador, utilizando símbolos como el «rayo», la «estalactita» y la «piedra», que representan el deseo amoroso y el dolor que este le causa. Estos elementos muestran cómo el amor, en lugar de ser una fuerza positiva, se convierte en una herida constante que no cesa. El tema principal es el amor no correspondido, que el poeta vive como una tragedia. Este sentimiento está inspirado en sus relaciones personales, como su amor por Josefina Manresa (su esposa) y otros afectos no correspondidos, como el que sintió por Maruja Mallo. Hernández utiliza el tópico del amor cortés, donde el amante se somete completamente a la amada, pero en este caso, el amor es unidireccional y solo trae sufrimiento. El rayo simboliza el deseo ardiente que consume al poeta, mientras que la estalactita representa algo frío y duro, que crece lentamente y le causa dolor. Estos símbolos reflejan la contradicción entre el fuego de la pasión y la frialdad de la indiferencia. El poeta se siente atrapado en un círculo de dolor, donde el amor es una fuerza destructiva que no puede controlar. Caracteristicas: El poema es un soneto clásico, formado por dos cuartetos y dos tercetos, con versos endecasílabos y rima consonante (ABBA ABBA CDE CDE). Esta estructura métrica es tradicional, pero el contenido del poema es muy emocional y dramático. Hernández usa recursos literarios para expresar su dolor. Por ejemplo, el «rayo» y la «estalactita» son metáforas que representan el deseo y el dolor. También hay personificaciones, como cuando el corazón «muge y grita», como si fuera un animal herido. Las interrogaciones retóricas («¿No cesará…?») muestran la desesperación del poeta, que no encuentra alivio. Además, usa epítetos como «exasperadas fieras» o «rígidas hogueras» para intensificar las imágenes. Las anáforas (repetición de «¿No cesará…?») y los paralelismos crean un ritmo que refleja la obsesión y el dolor interminable. El lenguaje es intenso y emotivo, con un tono dramático que refleja la angustia del poeta. Hernández combina elementos de la tradición literaria (como el amor cortés) con una expresión personal y moderna, lo que hace que su poesía sea universal pero también íntima.

Umbrío. Argumentos: En este poema, Miguel Hernández expresa el dolor profundo que siente debido a un amor no correspondido o inaccesible. El poeta habla de cómo la pena se apodera de él, convirtiéndose en su compañía constante. Esta pena se presenta como una presencia tan persistente y devoradora que no puede escapar de ella, comparándola con un perro que siempre lo sigue y no lo deja en paz. La pena se convierte en su única paz y en su batalla diaria. El tema principal del poema es el sufrimiento que provoca el amor no correspondido o la imposibilidad de alcanzar lo deseado, reflejando un sentimiento de desesperanza. Además, se menciona la muerte, un tema recurrente en la poesía de Hernández, como el final inevitable de todo sufrimiento. Los «cardos», que representan el dolor, se presentan como una corona, aludiendo a la pasión de Cristo, lo que refuerza la idea de un sufrimiento sin fin. A lo largo del poema, la pena se repite en diferentes formas, lo que subraya su importancia en el mundo emocional del poeta. Características: Miguel Hernández usa símbolos y metáforas en este poema para expresar sus sentimientos de dolor, amor y muerte. La «pena» es el principal símbolo, repitiéndose 11 veces en el poema, y se convierte en un elemento central que organiza el ritmo y la estructura del texto. La pena se presenta como un «perro» fiel que nunca lo abandona, un «cardo» que le duele y le atormenta, y también como una «corona», lo que vincula el dolor con una imagen religiosa de sacrificio. El poema también usa figuras como la antítesis, donde la pena es a la vez «paz» y «batalla», y una hipérbole, exagerando el dolor del poeta al afirmar que «no se halla hombre más apenado que ninguno». Además, se utiliza la anáfora y el paralelismo, como en «cardos y penas», para reforzar la idea de la tristeza que lo rodea. En cuanto a la forma, el poema sigue el esquema clásico del soneto, compuesto por dos cuartetos y dos tercetos. Tiene 14 versos endecasílabos con rima consonante, cuyo esquema métrico es ABBA CDE CDE, lo que le otorga un ritmo armónico y fluido

Me llamo Barro. Argumentos: En este poema de Miguel Hernández, el amor se presenta como una forma de sumisión total del poeta hacia la amada, a quien considera casi como un ser divino. El poeta se describe a sí mismo como barro, un material moldeable, que está dispuesto a ser transformado por los pies de la amada, un símbolo de la humillación y el sacrificio que está dispuesto a hacer por amor. La amada, en este caso, es vista como un ser inalcanzable, cuya presencia tiene el poder de crear y destruir al mismo tiempo. La imagen de la armadura que se rompe con el pisotón de la amada sugiere cómo el poeta es vulnerable ante ella, como si fuera una figura sagrada que puede alterar su ser. El poema juega con la idea del amor platónico, un amor idealizado y distante, que genera sufrimiento en el poeta. La relación amorosa parece estar inspirada en la lejanía de la amada, Josefina Manresa, lo que provoca en el poeta una sensación de incompletud. Sin embargo, este sufrimiento no es solo físico, sino también espiritual, ya que se muestra en una lucha constante entre el deseo de contacto físico y la imposibilidad de alcanzarlo. A través de la metáfora del barro, el poeta expresa la aceptación de su destino como un ser que debe ceder y someterse al poder de la amada. Por otro lado, el poema también toca temas de transformación y regeneración. El barro, al ser pisado, se convierte en algo más grande, algo que trasciende lo material para llegar a un estado casi divino. La constante referencia a la naturaleza y el ciclo vital –desde el barro hasta el cataclismo final– refuerza la idea de que el amor tiene el poder de alterar y transformar, no solo el cuerpo del poeta, sino también su alma. Características: El poema está escrito en silva, que es una forma poética caracterizada por la alternancia libre de versos heptasílabos y endecasílabos. La estructura consiste en trece estrofas de forma irregular. Esta libertad en la métrica refuerza la intensidad emocional del poema y su carácter desbordante. El contenido está lleno de imágenes y símbolos de la naturaleza, los cuales no solo representan el sentimiento amoroso del poeta, sino también su deseo de unirse a la tierra y a la creación divina. La metáfora es el recurso principal del poema, en especial el barro, que simboliza la humildad y la disposición del poeta a entregarse por completo a su amada, así como su conexión con lo terrenal. La figura del buey es otro símbolo destacado, representando la sumisión y la mansedumbre del poeta ante la amada, en contraste con otros símbolos de virilidad y fuerza presentes en el resto de la obra, como el toro. Además, el poema está lleno de referencias al mundo animal («buey», «gavilán», «sapos», «liebre»), vegetal («arboleda», «pasto», «junco», «nardo») y meteorológico («ola», «invierno», «truene», «diluviando», «huracanado», «sequía»), los cuales son utilizados para expresar de manera auténtica los sentimientos del poeta. Estas imágenes refuerzan la idea de cómo el amor ha reducido al poeta a lo más humilde y cómo la pasión, entendida como un «cataclismo amoroso», lo ha llevado a la completa sumisión. Además, se destacan otros elementos metafóricos que presentan el amor como algo doloroso y abrasivo, como en las expresiones «corrosiva piel» y «vengativa uña», que reflejan la idea del amor como algo que hiere y consume al amant

Elegía. Argumento: La Elegía a Ramón Sijé es un poema profundamente personal e intenso, donde Miguel Hernández expresa su dolor por la muerte prematura de su amigo Ramón Sijé, un joven abogado fallecido a los 22 años. El poema se aleja del tono amoroso del resto del libro El rayo que no cesa y se convierte en un canto a la amistad y a la pérdida. Los temas principales que aborda son la muerte y el dolor, el retorno del ser humano a la tierra, la injusticia de la muerte prematura y la falta de consuelo. El poeta, marcado por el lamento, busca una manera de recuperar a su amigo, rescatándolo de la muerte, e incluso se plantea desenterrarlo para besarlo y devolverlo a la vida. Esta idea de la muerte como algo injusto y la incapacidad de perdonar tanto a la vida como a la muerte se articula a lo largo de todo el poema. Al final, se presenta un homenaje al fallecido, con un tono de alabanza y respeto, al mismo tiempo que se concluye con una evocación poética del vínculo eterno entre los dos amigos, incluso más allá de la muerte. La obra refleja el sufrimiento personal del poeta y sus sentimientos de desconsuelo. Características: La Elegía a Ramón Sijé destaca por su métrica clásica, compuesta por quince tercetos encadenados de versos endecasílabos, acompañados de un serventesio al final. Esta estructura se ajusta al estilo habitual de El rayo que no cesa y contrasta con las imágenes audaces y surrealistas que se emplean a lo largo del poema. Las imágenes poéticas se organizan en torno a tres ejes principales: la agricultura, que simboliza el retorno del fallecido a la tierra («hortelano», «tierra», «estercolas», «rastrojos», «huerto», «higuera», «almendro»); los elementos de la naturaleza no domesticada («amapolas», «caracoles», «lluvias», «flores», «abejas», «rosas»); y el sufrimiento por la pérdida («manotazo», «golpe», «hachazo», «empujón», «herida», «lloro»). Esta repetición de conceptos, como la idea del dolor, se expresa a través del polipóton: «dolor», «duele», «doler», y se intensifica en la hipérbole: «por doler, me duele hasta el aliento». El poema también incluye varias figuras literarias, como las sinécdoques («calavera», «corazón descomponiéndose»), las personificaciones («la muerte enamorada», «madrugóla madrugada») y la metáfora del alma como un ave o una abeja («pajareará tu alma colmenera»). Además, la sintaxis empleada es compleja, con recursos como la anáfora («no perdono…»), el polisíndeton («quiero minar la tierra hasta encontrarte / y besarte la noble calavera / y desamordazarte y regresarte») y la epanadiplosis en el último verso. Estos elementos formales contribuyen a la atmósfera emocional del poema y a su profunda carga de dolor y nostalgia

soneto final. Argumento: Miguel Hernández, a lo largo de su obra, realiza una codificación literaria simbólica de un sentimiento real, con nombre y apellidos, en su amor por Josefina Manresa, su esposa, y las figuras de María Cegarra y Maruja Mallo, artistas y amigas cercanas. En el poema que nos ocupa, se observa claramente el amor cortés o platónico, un amor idealizado en el que el sujeto amante se somete completamente al deseo de la amada, pero también se muestra como una vía de sufrimiento constante. Este amor, que parece desprenderse de la relación con Josefina Manresa, puede también leerse como un reproche que el propio Miguel Hernández se dirige a sí mismo, reconociendo su rol como culpable del sufrimiento por caer una y otra vez en el desamor. El primer cuarteto, de forma generalizada, expone la idealización excesiva del amor (expresado con términos como “desplumar arcángeles glaciales”) como causa del dolor posterior, mientras que el segundo cuarteto describe el sufrimiento constante provocado por el desamor. En los tercetos, la voz lírica expresa un castigo inevitable que recae sobre él debido a este amor no correspondido, en un proceso similar al de los ángeles caídos, o la expulsión de Adán y Eva del Paraíso. El poeta se ve arrastrado a la pesadilla del sufrimiento amoroso, lo que le lleva a enfrentarse con el dolor, la desesperanza y la muerte, expresados en las imágenes poderosas y desgarradoras del poema. Características: El poema se presenta como un soneto, una forma clásica de 14 versos que refleja la influencia de la poesía renacentista. En cuanto a su estructura, el poema está marcado por tres isotopías que organizan las metáforas del desamor. La primera isotopía se refiere al frío y la humedad, representando la falta de calor y las lágrimas (por ejemplo, «glaciales», «nevada», «fuentes»). La segunda isotopía, que involucra el fuego y la dureza, está representada por palabras como «metales», «hierro», «herreros», creando una sensación de dolor abrasador. La tercera isotopía, que se refiere al sufrimiento, es la que abarca los términos «doloroso», «espina», «muerte», «ruina» y «desaliento». Estas tres isotopías se entrelazan para expresar el sufrimiento constante del yo lírico. Además, el poema contiene personificaciones, como en «yunques inclementes» o «desconsuelo de los manantiales», que humanizan los elementos naturales, incrementando la carga emocional del poema. La aliteración, especialmente del sonido «l», evoca lo elevado, mientras que el sonido «r» intensifica el dolor. Los paralelismos sintácticos creados por las preposiciones «por… por…» refuerzan la inevitabilidad del dolor y dan fluidez a la expresión del sufrimiento.

vientos del pueblo. El poema Vientos del pueblo refleja la lucha y el orgullo del pueblo español durante los primeros momentos de la Guerra Civil, cuando Miguel Hernández aún mantenía esperanza en la victoria de la República. A través de un tono épico, casi bélico, el poeta se presenta como portavoz del pueblo oprimido, que es impulsado por el viento, símbolo de la fuerza popular. El poema está dividido en varias secciones: en las primeras estrofas se describen dos actitudes del pueblo ante la opresión: la sumisión (representada por los bueyes) y la rebelión (simbolizada por los leones, águilas y toros). En la segunda parte, se afirma que el pueblo español es indomable y no se someterá a los opresores. La tercera parte del poema hace un recorrido por las diferentes regiones de España, destacando las virtudes de sus gentes a través de estereotipos y tópicos, como la valentía de los asturianos o la alegría de los valencianos. En la última sección, el poeta expresa su deseo de morir luchando, con la dignidad de un león, antes que agachar la cabeza como un buey. El tema central del poema es la lucha por la libertad y la dignidad del pueblo, en contraposición a la sumisión de los opresores. Los personajes del poema son representaciones del pueblo español, dividido en varias regiones y características, pero unidos por el deseo de resistir y luchar.. Características. El poema «Vientos del pueblo» está escrito en forma de romance, con estrofas que tienen diferentes longitudes y rima asonante en los versos pares. Esta estructura ayuda a que el poema suene más popular y cercano al pueblo. El vocabulario del poema muestra dos ideas opuestas: una de sumisión, con palabras como «bueyes», «yugo» y «jaula», y otra de rebeldía, usando «leones», «castigos» y «águilas». Los animales funcionan como símbolos: los bueyes representan a quienes se someten, mientras que los leones y águilas simbolizan a los valientes. También hay una imagen del ruiseñor, que representa al propio poeta. Hernández utiliza metáforas que mezclan lo animal y lo geográfico, creando imágenes muy poderosas. En la sección donde menciona las distintas regiones de España, cada gentilicio está relacionado con características como el clima, el trabajo y la forma de ser de la gente. En la parte final, se reafirma la idea de que es preferible morir luchando con honor que vivir sin dignidad. El poema utiliza repeticiones y juegos de palabras para enfatizar sus ideas, haciendo que el mensaje de lucha y compromiso del poeta resuene de manera intensa

Aceituneros. El poema «Aceituneros» se sitúa en el contexto de la explotación laboral en el ámbito rural, especialmente en el campo andaluz. La figura central es el aceitunero de Jaén, quien, a pesar de ser el verdadero generador de riqueza y producto, no es dueño de la tierra ni se beneficia de la producción. Miguel Hernández defiende la idea de que son los trabajadores, como el aceitunero, quienes realmente poseen y dan vida a la tierra con su sudor y esfuerzo. En lugar de hablar de la guerra directamente, el poema denuncia la injusticia social y económica, enfocándose en la explotación del campesinado. En este sentido, el poema conecta con la reforma agraria que los gobiernos republicanos intentaron implementar y con los intentos de colectivización en varias partes de España, aunque no se lograron en Jaén. La rebelión, implícita en la estrofa «Jaén, levántate brava», se presenta como una posibilidad de cambio para los trabajadores del campo, lo cual refleja la esperanza del poema en la victoria de la República.. Características. En cuanto a la forma del poema, se compone de doce cuartetas (estrofas de cuatro versos octosílabos con rima consonante), lo que le confiere un ritmo sencillo y popular. La temática central es la antítesis entre el trabajo de los aceituneros y los beneficios que obtiene el terrateniente (“tierra”, “trabajo”, “sudor”, “sangre”, “vida” y “afán”, frente a “señor”, “dinero”, “explotador” y “terrateniente”). A través de recursos como la metonimia (“eran principio de un pan / que sólo el otro comía”) y la antítesis, el poeta presenta a los aceituneros como símbolos de todos los trabajadores del campo español, mientras que los terratenientes son representados como explotadores que se enriquecen a costa del sudor y esfuerzo ajeno. A lo largo del poema, Hernández utiliza recursos literarios como metáforas («herida generosa del sudor»), personificaciones («levántate, olivo cano»), y anáforas («Andaluces de Jaén»). El poema también hace uso de estructuras trimembres para enfatizar la relación entre la tierra, el trabajo y el sudor, y entre la pobreza y la explotación. La imagen final de la libertad, representada en los últimos versos, subraya la aspiración del poeta hacia un futuro de justicia y emancipación para los trabajadores del campo.

Esposo soldado. Este poema se aleja del tono bélico y político de Viento del pueblo y se enfoca en la intimidad del soldado en la guerra, reflexionando sobre lo que deja atrás: su esposa y el hijo que espera. La imagen de la esposa es tanto sensual como nostálgica, celebrando la vida y la fertilidad. A pesar de la separación, el soldado justifica su lucha como algo necesario: la guerra es un deber para asegurar el futuro de su familia y de la nación. Al final, el poema transmite una esperanza de victoria, que traerá paz para el hijo y el reencuentro con la esposa. Este tono combina lo personal con lo colectivo, luchando por el futuro tanto de su familia como de su país. Cuando Miguel Hernández escribió Viento del pueblo, aún creía en la posibilidad de la victoria, mientras que en El hombre acecha su tono es más sombrío, al darse cuenta de la derrota.Características. El poema está compuesto por once cuartetos con versos de pie quebrado, utilizando una forma original creada por el autor. Se alternan versos alejandrinos con heptasílabos (excepto en los dos últimos cuartetos, que son regulares). El poema se divide en dos grandes campos semánticos: por un lado, el cuerpo de la mujer como fuente de vida y sensualidad (con palabras como “vientre”, “sangre”, “pechos”), y por otro, la guerra y la destrucción (con términos como “balas”, “plomo”, “muerte”). A lo largo del poema, se contrastan la evocación de la mujer y las penurias del campo de batalla. Se emplean recursos como metáforas (“gran trago de mi vida”), comparaciones (“como el arado espera”),sinécdoques (“te piensa mi frente”, “tu corazón y el mío naufragarán”), metonimias (“yo dormiré en la sábana de almidón […] cosida por tu mano”)personificaciones (“ataúdes feroces”, “pechos locos”), hipérboles (“temo que te me rompas al más leve tropiezo”), y antítesis (“espejo de mi carne, sustento de mis alas”). Además, la repetición de la palabra “defiendo” subraya la idea de que el soldado no solo lucha por su bando, sino también por su familia.