Evolución del Teatro: De Antoine al Romanticismo

André Antoine y Stanislavski: Pilares del Teatro Moderno

André Antoine: Considerado el primer director de escena moderno, rompe con los arquetipos y convencionalismos escénicos. Prioriza que el actor signifique a través de sus personajes, implementando el concepto de la cuarta pared.

Stanislavski: Fundador del Teatro de Arte de Moscú, busca nuevas formas interpretativas para lograr autenticidad y profundidad psicológica en los personajes. Su objetivo es que el actor se identifique al máximo con su personaje y comprenda profundamente la obra. Su obra más destacada es “Mi vida en el arte”.

Principios Teóricos de Stanislavski

• El sentido de la verdad: convicción y honestidad en la interpretación.
• Las circunstancias dadas: comprender el contexto del personaje.
• La relación y concentración: enfoque en la interacción y el momento presente.
• La memoria emocional: utilizar experiencias personales para conectar con el personaje.
• Las unidades: dividir el papel en pequeñas unidades para facilitar el trabajo individual.
• El súper objetivo: la mayor aspiración del personaje.

El Legado de Stanislavski

En Estados Unidos, un colectivo de actores forma THE GROUP THEATRE, basándose en el primer Stanislavski y centrándose en la emoción. ACTOR’S STUDIO, cuya dirección acabaría asumiendo LEE STRASBERG, allí se crea el “método”. Algunos actores destacados formados con este método son Marlon Brando, Paul Newman, Marilyn Monroe y James Dean.

En España, la influencia de Stanislavski llegó décadas después, de la mano de expertos como Ángel Gutiérrez.

Corrientes Antinaturalistas y la Reteatralización

Las corrientes antinaturalistas buscan evitar la imitación de la vida real y potenciar la puesta en escena.

• Gordon Craig: Concibe al actor como una supermarioneta.
• Adolph Appia: Considera el cuerpo del actor como un elemento rítmico musical.
• Meyerhold: Se centra en el cuerpo del actor como medio narrativo, proponiendo la biomecánica.
• Artud: Su teoría del teatro busca unir lo consciente y lo inconsciente, pretendiendo acabar con el “teatro digestivo”. El actor debe dominar su cuerpo para recrearse en cada función.
• Piscator: Propone el “teatro político”, donde el trabajo del actor consiste en ser un agitador social.
• Brecht: De ideología comunista, impulsa el “teatro épico”, donde la función de los actores no es despertar emociones, sino hacer pensar al público. Por ello, no deben empatizar con las emociones del personaje, sino distanciarse de él, evitando la introspección emocional.
• Jerzy Grotowsky: Con su “teatro pobre”, elimina elementos escénicos. Influenciado por Stanislavski, cree en la vivencia e identificación con el personaje, así como en la función sagrada del actor, convertido en “santo” mediante la disciplina física y creativa. Su interpretación se basa en la economía de signos, dando lugar a una forma de expresión intensa y fuerza estilizada.

Neoclasicismo en el Siglo XVIII

Francia

• Voltaire: Su aportación más destacable es la novedosa puesta en escena. Obra: “Merope”.
• Beaumarchais: Autor de “El barbero de Sevilla” y “Las bodas de Fígaro”, obras que son sátiras sociales.

Italia

• Goldoni: Fundador de la comedia moderna italiana. Obras: «Arlequín, servidor de dos amos», «La posadera».

Alemania

STURM UND DRANG (Tempestad y Pasión).

España

Ramón de la Cruz: Destaca por sus sainetes, escenas costumbristas del Madrid castizo de la época.

Características del Teatro Neoclásico

• Separación de géneros (comedia, tragedia y drama).
• Sometimiento a la regla clásica de las tres unidades.
• Planteamiento verosímil, reflejo de la realidad social.
• Estructura en tres actos.
• Enfoque racional y realista, frente a la imaginación y la fantasía.
• Finalidad didáctica y reformadora.
• Planteamiento de temas útiles para la sociedad, buscando erradicar vicios y fomentar virtudes.
• Logra poco éxito.

• Tomás de Iriarte: “El señorito mimado”.
• Leandro Fernández de Moratín: Dramaturgo más importante de los neoclásicos, toma como modelo a Molière. Obras: “El viejo y la niña” (clama por el derecho de la mujer a elegir marido), “La comedia nueva o el café”, «El sí de las niñas» (gran éxito de público, trata el tema del matrimonio concertado).

Romanticismo en el Siglo XVIII

Características Generales

• Reivindicación de la libertad de actuación personal y creativa.
• Exaltación del yo individual.
• Espíritu de rebeldía, con personajes que actúan al margen de las normas.
• Sentimiento de soledad y melancolía.
• Triunfo de la imaginación.
• Importancia del componente sentimental.
• Proyección del estado anímico en la naturaleza.
• Valoración de lo popular y lo local.
• Tendencia a la evasión.

Características del Teatro Romántico

• Fusiona formas artísticas: combina lo cómico y lo trágico, y usa la polimetría.
• Rechaza la regla de las tres unidades.
• Renuncia al decoro y presenta contenidos escabrosos en escena.
• Su finalidad es conmover al público, no educar.
• Usa lenguaje resonante, emocional y exaltado.
• Se centra en lo histórico, la fatalidad y el amor pasional.
• Presenta personajes singulares y apasionados, marcados por un destino fatal.
• Crea ambientes tenebrosos e inhóspitos, con elementos de ultratumba.
• Puestas en escena espectaculares con múltiples recursos.
• Acción vertiginosa e inverosímil.

Melodrama y Otras Formas Populares

En el drama romántico se desarrollan formas escénicas mayoritariamente musicales, como la ópera, el vodevil o el music hall.

El melodrama son obras en las que la música marca los momentos culminantes de la acción.

La ópera ve la aparición de los mejores compositores de todos los tiempos, como Beethoven, Weber y Verdi.

Teatro Romántico en Alemania

• Wolfgang Goethe: «Fausto», tragedia dividida en dos partes. La primera parte trata del pacto de Fausto con el diablo para recuperar la juventud y alcanzar el conocimiento. La segunda parte recoge los amores del protagonista con la joven Gretchen, que terminan de forma trágica.
• Friedrich Schiller: «Guillermo Tell», figura del libertador suizo.

Teatro Romántico en Francia

• Víctor Hugo: Con su drama “Cromwell”, y el estreno con gran escándalo de “Hernani”, desató la batalla entre clasicistas y románticos por el espacio escénico.
• Alexandre Dumas: “Antony”.

Teatro Romántico en España

La censura establecida por Fernando VII fue la causa de que el romanticismo arraigara muy tarde en España.

• Francisco Martínez de la Rosa: “La conjura de Venecia”.
• Mariano José de Larra: “Macías”.
• Duque de Rivas: Estreno de “Don Álvaro o la fuerza del sino”, presenta un personaje en lucha contra un destino fatal y las circunstancias que impiden alcanzar el amor que ansía.
• José Zorrilla: Recrea la figura tradicional del burlador de Sevilla, a la que aporta interesantes novedades en la trama, el desarrollo de la historia y sus efectos escénicos de gran teatralidad. “Traidor, inconfeso y mártir” se considera la última de sus grandes obras.