1. Contexto Histórico
En el siglo XVII, España atraviesa un periodo de decadencia política imparable. Los gobernantes no gestionaban adecuadamente las riquezas que llegaban de las colonias americanas, lo que derivó en constantes guerras en Europa, generando miseria en el pueblo y una sociedad depresiva.
El **Barroco** se define como la “época de los contrastes”: es un periodo de decadencia económica y social, pero a la vez el momento más espléndido de la literatura y el arte españoles.
Sociedad Española
Época depresiva en la que abundaba la miseria y solo unos pocos gozaban de privilegios.
**Campesinos**: Constituyen la mayoría de la población, pagan altos impuestos y, ante terrenos inestables y malas cosechas, sufren hambre.
**Artesanos**: Se vieron afectados por la influencia de América, lo que redujo sus ingresos.
**Nobleza**: Su número aumentó, en parte por la compra de títulos.
**Ciudades**: La sociedad urbana era heterogénea, compuesta por nobles, pícaros, campesinos, funcionarios, clérigos, “desclasados” y personas con títulos.
2. Ideología y Estética del Barroco
Durante el siglo XVII, los conflictos políticos y sociales transformaron el optimismo renacentista en desengaño y pesimismo. Se percibe la vida como un caos de desorden, por lo que se opta por vivir intensamente “el momento” ante la inminencia de la muerte.
2.1. Características Estéticas del Arte Barroco
**Realidad**: Es el tema central en el arte barroco.
**Realismo**: Se muestra la realidad tal como es, aunque se mezcle con elementos de belleza estética.
**Arte de contrastes**: Se retrata al hombre como un campo de batalla, en el que chocan y se enfrentan fuerzas contrarias (vida/muerte, pasión/razón); esto se plasma, por ejemplo, en el claroscuro empleado en pintura y escultura.
**Acumulación de elementos estilísticos**: Se utilizan numerosos recursos (incluso en el uso del lenguaje, con acumulación de recursos expresivos) y se recurre a la hipérbole, valorando incluso los vicios.
**Ruptura de la armonía entre fondo y forma**: Se da prioridad a la forma para lograr originalidad y sorprender, siguiendo un criterio de “primero la forma, luego el contenido.”
2.2. Lengua Literaria del Barroco
Se aleja de la naturalidad renacentista y recurre a acumulaciones, símiles y otros recursos estilísticos para embellecer el lenguaje y sorprender al lector o al autor.
El Barroco se divide en dos movimientos literarios:
Conceptismo
Busca el concepto y la asociación ingeniosa de ideas.
El contenido es muy denso: muchas ideas en pocas palabras.
Muestra la realidad tal como es, pero a veces la deforma para destacar aspectos más duros o feos.
Utiliza recursos estilísticos que juegan con el significado (equívocos, antítesis, paradojas, juegos de palabras).
Culteranismo
Prioriza la belleza formal y sensorial.
El contenido de las obras es mínimo, sirviendo apenas de soporte para un lenguaje suntuoso.
Idealiza la realidad, mostrando sus aspectos más hermosos y enriqueciendo el lenguaje con metáforas, latinismos y comparaciones.
Ambos movimientos complican el lenguaje mediante la acumulación de recursos estilísticos, buscando la complicidad de un lector culto que pueda descifrarlos.
3. Francisco de Quevedo (Conceptista)
Fue el máximo representante del **conceptismo** y uno de los poetas más admirados de la lírica española. Exprimió el lenguaje para sacarle todas sus posibilidades expresivas, incluso llegando a crear nuevas palabras.
Francisco de Quevedo (1580-1645), hijo del secretario de la reina Ana (mujer de Felipe II), recibió una excelente educación y conocía varias lenguas. Su vida transcurrió en ambientes palaciegos; fue hombre de confianza del duque de Osuna y participó en intrigas cortesanas, lo que le condujo a la cárcel durante cinco años, muriendo poco tiempo después.
Realizaba una crítica a la sociedad mediante un lenguaje elevado, de tal forma que, en ocasiones, su crítica pasaba desapercibida.
La poesía de Quevedo se clasifica en tres tipos:
Poesía Grave
**Religiosa**: Expresa su lucha espiritual y la esperanza de alcanzar la vida eterna a pesar de las debilidades humanas.
**Metafísica**: Con tono serio y elevado, expresa el desasosiego del hombre ante la muerte, reflexionando sobre la brevedad de la vida y aceptando su final ineludible.
**Moral**: Critica, en tono severo, los vicios y las malas costumbres de la época.
Poesía Burlesca
Quevedo se ríe de todo y todos, utilizando magistralmente los recursos del conceptismo para crear caricaturas de la realidad.
Poesía Amorosa
Aunque no vivió el amor, compuso algunos de los sonetos amorosos más hermosos del castellano.
Desarrolla un lenguaje que renueva la poesía barroca siguiendo dos caminos:
La pasión: Un grito de soledad, angustia y resistencia; expresa un amor inmenso, imposible e idealizado.
Unión amor y muerte: Ejemplificado en el soneto “Amor constante más allá de la muerte.”
4. Luis de Góngora (Representante del Culteranismo)
En el siglo XVII, cuando casi todo hombre culto escribía versos, Luis de Góngora se destacó como el poeta por excelencia, siendo alabado, criticado e imitado en su época.
Nació en 1561 y murió en 1627. Proveniente de una familia próspera y culta, estudió leyes en Salamanca y heredó, a los 24 años, un puesto eclesiástico. En la corte convivió con escritores famosos como Lope de Vega y Quevedo, a quien acusó de copiarle versos dedicados a temas como la enfermedad, el envejecimiento y la soledad después de perder su protector (el Duque de Lerma).
Su obra se puede dividir en tres apartados:
Poesía en Metros Cortos
**Romances**: Satirizan la hipocresía y los vicios de su tiempo.
**Letrillas**: Critican, sin distinción, a nobles y al pueblo, a damas y enamorados.
**Canciones**: En ellas también aborda el tema amoroso, arremetiendo contra los falsos idealismos del amor neoplatónico.
Sonetos
Los sonetos de Góngora tratan temas similares a los de los metros cortos, pero hacen un mayor uso de metáforas, paradojas y correlaciones de manera intensa.
Poemas Mayores
En sus últimos años, obsesionado con juegos conceptistas y esteticismo, plasmó la belleza en obras como *Soledades* y *Fábula de Polifemo y Galatea*.
Estos poemas buscan estimular los sentidos mediante el uso de colores, aromas, luces y una sintaxis complicada.
Algunos contemporáneos denominaban despectivamente este estilo “**culteranismo**” al referirse a la búsqueda de la belleza en los recursos más refinados del latín, prestando especial atención a mostrar la belleza oculta en escenas cotidianas, como las siestas de campesinos en *Soledades*.
5. Lope de Vega
Félix Lope de Vega y Carpio fue uno de los dramaturgos más importantes, un excelente prosista y uno de los poetas fundamentales de la literatura española.
Nació en 1562 y murió en 1635, en el seno de una familia modestísima. Inició sus estudios pero los abandonó, y participó tanto en la Conquista de las Azores como en la Armada Invencible.
Vivió numerosas historias de amor, contrajo varios matrimonios y tuvo 15 hijos. Experimentó una crisis personal que lo llevó a ser sacerdote, aunque se enamoró dos años después. Sus últimos años fueron tristes debido a desgracias familiares y a la pérdida de influencia, llegando a perder prestigio ante la corte.
Poesía en Metros Cortos
Fue uno de los mejores escritores de romances, letrillas y canciones del siglo XVII.
Muchas de sus composiciones se integran en sus obras de teatro y en su prosa, caracterizándose por la libertad y gracia lírica tradicional.
Sonetos
En *Las Rimas* (1604) compuso una colección de 200 sonetos amorosos, al estilo del cancionero petrarquista, en los que reflexiona intensamente sobre el amor y el dolor.
En *Las Rimas Sagradas* (1614) recoge 100 sonetos llenos de duda y angustia, producto de la crisis espiritual tras la muerte de su hijo Carlos Félix. En esta etapa, el énfasis no estaba en la técnica o la estilización formal.
La Lengua Literaria: Tradición y Modernidad
Lope de Vega perfeccionó su lenguaje poético tomando lo mejor de la tradición renacentista y enriqueciéndolo con recursos propios del conceptismo (juegos de ingenio) y del culteranismo (belleza y sensualidad).
Siempre buscó la musicalidad, logrando una síntesis entre lo tradicional y lo culto.
6. Antecedentes del Teatro Barroco
Durante el siglo XVII, el teatro español pasó de parámetros medievales a una nueva modernidad, representada en parte por la renovación teatral de Lope de Vega.
Existía el teatro religioso, cuyo objetivo era moralizar al público. Desde el siglo XVI, tras la prohibición de representaciones en templos por el Concilio de Trento, se representaban obras breves en carros móviles (como los cantares o autos sacramentales).
Asimismo, existía el teatro profano, influenciado por la *comedia dell’arte* italiana. Bartolomé Torres Naharro (1465-1520) anticipó esta renovación, y Lope de Rueda (1505–1565) se erige como el puente hacia la comedia nueva al introducir los “pasos”, escenas breves de carácter cómico, en sus obras.
7. Lope de Vega y la Comedia Nueva
Lope de Rueda (1505–1565), empresario y autor teatral, introdujo en sus comedias escenas breves (“pasos”) con un marcado carácter cómico, anticipando el entremés.
Los personajes populares (como el criado, el viejo, el vecino y el borracho) protagonizaban estas escenas, en las que la acción, de carácter sencillo, se resolvía mediante la burla o la huida.
7.1. Una Nueva Fórmula
A partir de 1585, Lope de Vega comienza a escribir representaciones en carros y en teatros callejeros (corrales de comedias).
Tras años dedicados al teatro, la Academia de Madrid le encargó el discurso *El Arte nuevo de hacer Comedias* (1609), en el que expone su dominio de la dramaturgia y los recursos escénicos.
Lope de Vega buscaba adaptarse a su público corralero, entreteniéndolo y divirtiéndolo con temas cotidianos que reflejaban la vida.
Elementos de la nueva fórmula teatral:
Temáticas basadas en el honor y la honra.
Mezcla de lo trágico y lo cómico, de manera que ninguno se anule; ambos conviven como en la vida real.
Ruptura de la norma clásica de las tres unidades (acción principal y un único lugar); en cambio, sus obras integran acciones paralelas desarrolladas en distintos sitios y tiempos.
División de la obra en tres actos: planteamiento, nudo y desenlace.
Verosimilitud en el habla, adaptada a la condición de cada personaje, haciendo del lo trágico casi una farsa social.
Desarrollo de personajes-tipo, donde se evidencia una clara aproximación al carácter.
**Corrales de Comedias:**
Son patios de vecindad adaptados para representar teatro, aprovechando ventanas y balcones para mostrar el espectáculo.
Se hace especial uso de la polimetría, adaptando el verso al contenido y al perfil de cada personaje.
7.2. Los Personajes de la Comedia Nueva
En general, el teatro del siglo XVII muestra personajes tipificados, con escasa interioridad, pero que reflejan un cierto nivel de autoconciencia.
Los protagonistas suelen ser el **galán** y la **dama** (jóvenes enamorados movidos por el amor, los celos y la honra).
Además, se encuentran personajes secundarios como el **gracioso** y la **criada**.
También aparecen el **caballero** (figura de padre, esposo o hermano), el **poderoso** (joven de alta alcurnia que genera conflictos con sus abusos), el **villano** (campesino orgulloso de su limpieza de sangre) y, en ocasiones, el **rey**, que interviene para resolver el conflicto.
7.3. Los Temas
**Tema amoroso**: Se aborda a través de intrigas sentimentales (por ejemplo, en *La dama boba*, donde el amor convierte a lo tonto en listo).
**Tema del poder injusto**: Desarrollado en obras como *Fuenteovejuna*, *El mejor alcalde, el rey* y *Peribáñez y el comendador de Ocaña*.
**Tema del honor y la honra**: Basado en la limpieza de sangre y la idea de que para recuperar el honor es necesario derramar sangre contra quien lo ha mancillado.