1. Marco Histórico-Político y Social

1.1 Absolutismo Monárquico

Alcanza su mayor esplendor en Europa en la segunda mitad del siglo XVIII. La aristocracia, civil y eclesiástica, viendo el ascenso de la burguesía, se encierra cada vez más en sus privilegios. La burguesía pretende alcanzar el poder político, aparte del económico.

1.2 La Ilustración

La oposición de la burguesía a las viejas ideas tradicionales favorece la aparición del movimiento cultural de la Ilustración.

La Ilustración es la heredera del humanismo y racionalismo renacentista, y está enriquecida por el desarrollo de la cultura, de la investigación y de la ciencia. Es la ideología y la cultura propias de la burguesía europea en la segunda mitad del siglo XVIII.

1.3 Intelectuales Ilustrados: Montesquieu, Voltaire y Rousseau

Montesquieu y Voltaire hablan del valor de la razón. Se basan en que el progreso científico y técnico mejora los valores morales del hombre.

Rousseau añade al valor de la razón la importancia del sentimiento: la bondad natural del hombre. La sociedad está organizada de forma injusta y, en consecuencia, afirma que para mejorar al hombre, primero hay que cambiar la sociedad.

1.4 La Enciclopedia

La Enciclopedia fue la gran obra de la Ilustración.

Pudo editarse por completo en 1751 y su influencia en la vida social posterior de Europa fue decisiva.

La Enciclopedia resume todos los conocimientos de la época con un alto nivel científico y con la filosofía del racionalismo ilustrado.

1.5 Despotismo Ilustrado

Forma de gobierno que tiene como lema “todo para el pueblo, pero sin el pueblo”.

La monarquía y la aristocracia asimilan algunos aspectos de las exigencias de la burguesía, emprendiendo una serie de reformas (obras públicas, regadíos, centros educativos…).

La burguesía colabora en estas reformas con los reyes hasta que repara en que siguen sin obtener lo que quieren, es decir, la verdadera igualdad y libertad. El desenlace fue la Revolución Francesa de 1789.

2. Marco Artístico

2.1 Del Rococó al Neoclasicismo

El Barroco alcanza su máximo grado de exageración en lo que conocemos como el estilo Rococó a finales de la primera mitad del siglo XVIII.

El estilo y la estética del Rococó discurren paralelos a aquella aristocracia cuya hegemonía empezaba a sucumbir.

2.2 Arte o Estilo Galante

La corte y la aristocracia siguen manteniendo sus privilegios en el arte, y se quieren adaptar a los nuevos gustos de la burguesía.

Se observa una cierta reducción de lo monumental y espectacular a lo individual, a lo íntimo, pero donde la superficialidad y cierta frivolidad están presentes. Esto se expresa en la escultura por pequeñas y características figuras de porcelana.

Los tapices de escena cortesana sustituyen a los grandes frescos pictóricos. Y en la pintura, los temas preferidos son las fiestas de la corte y el retrato.

El primer pintor importante de esta época es Antoine Watteau.

2.3 Arte del Neoclasicismo

La burguesía ilustrada reaccionó prefiriendo un arte más acorde con sus ideas basadas en el racionalismo enciclopedista.

Es el arte de la segunda mitad del siglo XVIII. Es la renovación de una estética que proclama las bellezas del arte griego.

Ejemplo de esto en la pintura es el pintor alemán Rafael Mengs, de estilo racionalista y académico, autor de un importante tratado de estética. También destaca Louis David.

Esta estética es todavía más evidente en la arquitectura, donde se impone la línea recta ante el retorcimiento y la exuberancia del Rococó.

Ejemplos: Museo del Prado, de Juan de Villanueva; Catedral de Pamplona, de Ventura Rodríguez.

3. Marco Musical

3.1 La Sonata: Concepto, Orígenes y Estructura

Es la forma musical, una forma de componer y construir la música como principio estético de este estilo clásico.

Su origen remoto está en la antigua división entre sonatas y cantatas, y en las sonatas barrocas de la iglesia y de cámara.

Las innovaciones de Domenico Scarlatti en sus sonatas para clave continuaron en las novedosas y sorprendentes formas que C. P. E. Bach construyó sus sonatas, hasta el punto de que los historiadores le atribuyen la invención del esquema característico de la forma sonata. Son después Haydn y Mozart los que lo consolidan, y Beethoven quien la desarrolla y perfecciona hasta sus últimas consecuencias, llegándola a romper en su última etapa.

A diferencia de otras estructuras de composición, como, por ejemplo, la fuga, no requiere tanta atención a los detalles y al tejido contrapuntístico, ni tampoco el sentido de continuidad o cambios de agógica y dinámica como la pequeña forma del Romanticismo, sino que se basa más en el contraste de grandes secciones ampliamente presentadas.

En el Clasicismo, la sonata se articula en 3 o 4 tiempos.

Si es a 3 tiempos serán:

• 1. Allegro
• 2. Adagio o Andante
• 3. Allegro o Presto

Es decir, rápido, lento, rápido.

Si tiene 4 movimientos:

• 1. Allegro
• 2. Andante o Adagio o tema con variaciones
• 3. Minué
• 4. Rondó o Allegro

3.2 La Forma Sonata

La forma sonata se da en el primer movimiento. Este debe ser Allegro. También se puede dar en el último cuando es Allegro, pero donde hay una obligación de cumplir estas normas es en el primer tiempo o movimiento.

La forma es A-B-A. O Exposición, Desarrollo y Reexposición o Recapitulación.

Exposición:

Se presentan los temas A y B, de distinto carácter, contrastados rítmica y melódicamente. Para ayudar a este contraste, B se presenta en otro tono. Cuando A está en Modo Mayor, el tema B está en su dominante. Si el A es tono menor, el B es mayor. Continúa un breve pasaje C o coda que anuncia la conclusión de la sección en el mismo tono que el tema B.

Toda esta sección se repite íntegramente. La razón es clara: la repetición de la sección expositiva se hace para que el oyente reconozca bien los dos temas antagónicos.

Desarrollo:

Es una sección más libre. El compositor transforma libremente el material temático presentado anteriormente, ahora en tonalidades más o menos alejadas. Hay una completa libertad en cuanto a extensión y forma, pudiendo predominar uno u otro tema e incluso utilizar nuevos materiales con ciertas semejanzas de los anteriores.

Reexposición:

Es el final de la forma sonata. La tensión tonal creada anteriormente se resuelve con la Reexposición de los temas A y B, pero ahora el segundo también en la tónica. Suele seguir una pequeña parte C llamada Coda, que no tiene otra misión que reafirmar la tonalidad original o del principio, con una sensación de apoteosis de llegar al clímax con el material temático, finalizando así el primer movimiento y el final de esta forma sonata.

La sonata, como género musical y siguiendo este esquema formal, se componía para instrumento solista, por ejemplo, piano, o junto a la intervención de otro: violín y piano, cello y piano. De tres instrumentos, tríos, cuartetos…

Si esta forma sonata se aplica a la orquesta, estaremos en la sinfonía, y si busca contraste entre la orquesta y un instrumento, tenemos el concierto.

3.3 Origen de la Sonata y de la Sinfonía: la Transición al Clasicismo Musical

La invención de la sonata se le atribuye a C. P. E. Bach, quien compuso importantes sonatas y sinfonías en esta época. Por lo tanto, los hijos de Bach tuvieron un papel muy destacado en esa transición al Clasicismo.

Ellos y lo que se denomina la Escuela de Mannheim, donde también ejercieron, fueron los que lograron esta transición.

Los compositores de la Escuela de Mannheim fijaron las bases de la música orquestal y adoptaron para ella una forma y estructura absolutamente nueva y de prodigiosa capacidad expresiva y contrastante: la sonata, con arreglo a la cual ordenaron la composición de sus sinfonías.

Entre los primeros sinfonistas destaca Sanmartini (1701-1775), maestro de Gluck. Sanmartini ya presenta ese juego temático de la estructura de la sonata. Su extensa obra fue muy conocida en Viena, París y las principales ciudades alemanas.

En la ciudad alemana de Mannheim, a partir de 1740, se produjo un breve pero interesante ámbito de producción musical para orquesta. Un pujante y dinámico estilo orquestal lleno de contrastes y fuerza dramática, el cual pronto tuvo gran repercusión y fama debido a su calidad y brillantez.

La importancia mayor de la Escuela de Mannheim, aparte de fijar el esquema sonata, fue en la manera de utilizar la orquesta, donde su capacidad para los contrastes expresivos, tímbricos y de graduación de intensidades era todo un descubrimiento.

3.4 El Piano: Origen y Asentamiento

La música del Neoclasicismo se puede considerar dinámica, con grandes contrastes en matices.

En esta época se afianza también el piano. Tanto la sonata como el piano nacen de una exigencia estética y su evolución es paralela hasta el Romanticismo, donde una nueva estructura o forma musical junto con un instrumento más evolucionado y poderoso adquirirán su definitiva madurez e independencia.

Los dos instrumentos más importantes de la época anterior de tecla eran el órgano y el clavicémbalo. A medida que se fue orientando el gusto hacia la música más monódica y hacia la expresión dramática de la melodía, los compositores comenzaron a sentir la necesidad de contar con este instrumento capaz de expresar todas las inflexiones de las melodías y poder producir sonoridades potentes y enérgicas.

Bartolomeo Cristofori, en 1709, aplicó a un armazón del clavicordio el sistema de macillos y apagadores. Al principio, este mecanismo era muy deficiente. Pero los avances en cuanto a resultados sonoros que se estaban obteniendo en el siglo XVIII en la Escuela de Mannheim estimularon la inventiva de músicos y constructores empeñados en perfeccionar un instrumento capaz de recordar las sutilezas y la grandiosidad del juego orquestal y sus contrastes.

El nombre de piano procede de su primitiva denominación piano-forte, ya que, a pesar de sus limitaciones, el nuevo instrumento podía pasar de piano a forte. Así es como lo exigía la nueva estética basada en los contrastes de piano/forte, rítmico/melódico, etc.

Las innovaciones se sucedieron con rapidez y los constructores más importantes (Silbermann, Stein…) trabajaron sin descanso en el perfeccionamiento del piano. Junto a ellos, los compositores fueron creando obras para este instrumento y desarrollando una técnica particular de interpretación.

Haydn, Mozart, Clementi, etc., son nombres fundamentales en el camino de la evolución pianística hasta Beethoven, con quien el piano entra en su momento culminante.

3.5 Ópera Seria

Comenzó siendo la mejor representación del estilo Rococó, que dominaba en la sociedad en torno al ecuador del siglo XVIII.

Era un fastuoso espectáculo de la corte, a través del cual los monarcas y aristócratas mostraban todo su esplendor. Los temas se referían a la mitología y representaban grandes tragedias lírico-heroicas exhibidas con gran aparatosidad.

Destacan el libretista Metastasio y Gluck.

Más tarde se produjo una reforma de esta estética, después de la segunda mitad del siglo XVIII, hacia 1760. Aparecía la Ópera Seria más acorde con el estilo galante. En esta nueva estética, la ópera seria estaba ya más simplificada de los excesivos adornos y lucimientos de los cantantes. Aquí estamos ante un espectáculo apoyado en un argumento de calidad y solidez dramática.

Gluck es el que realiza esta reforma buscando la sencillez y el retrato fiel de los sentimientos, destacando el recitativo con acompañamiento orquestal.

Continuaron con esta reforma Salieri, Cherubini y Spontini.

Mozart y Haydn se vieron influidos por esta reforma.

3.6 Ópera Bufa

Es otra representación de la estética del Neoclasicismo de la segunda mitad del siglo XVIII, al gusto de los enciclopedistas. Era un drama sentimental burgués, de aspectos y situaciones que se identificaban con el gusto de la burguesía. De esta forma, la ópera bufa, de carácter popular, nacía como antagonismo a los minoritarios y exuberantes espectáculos de la ópera seria. En la ópera bufa el asunto era intrascendente, de enredos, con cierta comicidad y con música más sencilla.

Tiene su origen en Nápoles y se extiende por más países. La primera fue La Serva Padrona de Pergolesi. El tema es la sirvienta que se convierte en la señora de la casa.

Otro ejemplo es El barbero de Sevilla.